柳编的文化价值和制作方法 柳编的文化价值 柳编是一项传统的手工艺活动，相较于其他一些手工艺借助半机械或作坊式生产的方式，柳编在材料、技术上仍沿袭传统方式，从原料到最终成品仍完全以人力加工完成。 手工艺的价值在于手工制品背后所隐含的文化价值。在实用功能之外，柳编民间器物具有浓郁的乡土气息和独特的艺术风格，记录了当时当地的民俗生活。以笆斗为例，笆斗是盛放粮食的一种农用器物，坚密结实，盛水不漏，是民间常用的柳编器物。笆斗底为半球形，形状像斗，也称栲栳。“栲”是植物的泛称，其谐音具有“牢靠”、“和睦”等象征意义。在北方民俗中笆斗成为传递亲情的道具，闺女生孩子“做九”时，娘家人要挎上笆斗去看闺女，笆斗里装有染成红色的鸡蛋、红糖和一把豆芽（喻示孩子生根发芽）。 柳编材料具有其与生俱来的，其他材料不可替代的自身形式美的规律，因编织工艺的不同亦造成编织纹理不同。平编、扭编、勒编主要分为平纹组织、斜纹组织、菱形组织以及在这些组织上变化的纹样。 柳编的制作方法 平编。 这是编平面席箔类的主要工种。其特点是经纬交织，互相穿插掩映，可以挑一压一，也可以挑二压二、挑一压二、挑二压一，从而形成不同的交叉编织纹样。苇编席箔先将苇子压制成平面的片材，再行编织，也多取平编工种。其他的高粱皮编织、竹篾编织、蒲草编织，也是以平编为主。柳条编织用平编的倒反而不多。 绞编。 绞编也是以经纬编压为主要特点的工种。它和平编的不同之处是在经编方面，平编的经纬相同，同时动作，往前编织；而纹编则先编排好经桩，经桩可以是绳，是条子，是竹杆，甚至是铁丝，然后以编条（柳、槐、篾）交叉上下穿行于经桩上下，循环绕行。编成后的效果，表面全为纬编所掩盖，不露经条。绞编要求编纬的条子要比较柔软，有韧性，故常用于蒲草、细柳、桑条编织。 勒编。 勒编是传统的柳条编结工种。用勒编做成的器物一般称为“系货”。其法以麻绳作经，以柳条作纬，麻绳互相交错穿过柳条间，穿一次，绕扣勒紧，通常民间所见簸箕、笆斗、箩筐、柳条包等，均以此法编结主体部分。勒编器物的边缘，常需另行编板、把或框子，以使周边整齐，不致散落。
琉璃工艺品的文化价值和制作方法 琉璃工艺品的文化价值 中国是世界最早的玻璃产地之一。但在相当长的时间里，玻璃艺术在中国似乎被人遗忘了，这种技术未能得以传承。现代琉璃技法的成功是民族的荣耀，从此使中国琉璃跻身于国际艺术之林。 琉璃属于价值不菲的工艺艺术品，它的价格比水晶还高，其原因有三个方面： 一、古法琉璃材料的特殊性，且其工艺极具复杂性与高难度，因此其成本非常高。 二、琉璃具有融合各种颜色，变化万千却依然通透晶莹的独特之处，是任何钻石都无法做到的。 三、琉璃是一种文化产品，不仅仅是一种材质，更重要的是，琉璃产品是独一无二的，世间没有两个一模一样的琉璃产品。 琉璃礼品之所以一直都深受人们的喜爱，除了其有可观的外表，更重要的是它还代表着中国长久以来的文化历史。 琉璃工艺品的制作方法 生产琉璃的原料由于采用含24%铅的晶质玻璃，所以熔点只需要800多度，此时的二氧化硅如麦芽糖一样能够自由流动，待降温后即可形成各种形状的工艺品。 整个脱蜡工艺流程前后共47道工序，每道工序都可以让你前功尽弃。比如，如何保证琉璃充满模具的各个细节：倒钩、圆圈、直角，每件琉璃品各部分的厚度不同，膨胀系数就不同，冷却时，各部分产生撕拉，很容易碎裂。一般出炉成功率只有40-60%。由于琉璃在半液体状态下流动，有很大不确定性，可以说没有哪两件琉璃制品是完全一样，每一件都是“孤品”。一件完美的琉璃作品即靠设计和技术，也靠运气。 琉璃目前主要可以分为两个领域，一是工艺品，主要是提供各种商务礼品，另外包括饰品市场与商务礼品市场，之后又陆续进入旅游纪念品、建材市场和收藏品市常随着琉璃制作技术的提升，琉璃与其它材质与产品结合开发的空间将越来越广阔。二是工程琉璃市场，主要是装潢建材领域。
景泰蓝的文化价值和制作方法 景泰蓝的文化价值 景泰蓝属于民间传统工艺，在市场上的价值也越来越高，从事景泰蓝制作、加工的工艺作坊也越来越多。景泰蓝的价值取决于其着色和工艺。景泰蓝具有极高的收藏和品签价值，泰和坊景泰蓝-中国景泰蓝私人定制第一品牌，适合家居、酒店、车站等场所。 景泰蓝工艺画是借鉴了传统景泰蓝工艺中的掐丝、点蓝等工序，掐丝是用的铝丝（氧化镀金色），粘丝的胶是用普通的装修用胶水，待丝粘牢后，用油画铲子调和彩色砂填色，待沙字干后，采用树脂封画面，处理出亮面、哑光、磨砂等多种画面效果。 新蓝艺景泰蓝画，在借鉴传统的景泰蓝工艺技术上，糅合油画、国画、浮雕、彩绘等技术独创出无丝景泰蓝画、磨砂景泰蓝画、夜光景泰蓝画、立体景泰蓝画等多种效果。新蓝艺景泰蓝画逐渐成为高档的室内装饰画。 景泰蓝的制作方法 型制作（制胎） 型将紫铜片按照图纸要求剪出各种不同形状，并用铁锤敲打成各种形状的铜胎，然后将其各部位衔接上好焊药，经高温焊接后便成为器皿铜胎造型。 掐丝 用镊子将压扁了的细紫铜丝掐、掰成各种精美的图案花纹，再蘸上白芨粘附在铜胎上，然后筛上银焊药粉，经900度的高温焙烧，将铜丝花纹牢牢地焊接在铜胎上。 点蓝 经过掐丝工序后的胎体，再经烧焊、酸洗、平活、正丝等工序后，方可进入点蓝工序。点蓝是艺师把事先备好的珐琅釉料，依照图案所标示的颜色，用由铜丝锤制成的小铲形工具，一铲铲地将珐琅釉料填充入焊好的铜丝纹饰框架中。 烧蓝 是将整个胎体填满色釉后，再拿到炉温大约800℃的高炉中用一些矿物石头粉作燃料烘烧，色釉由砂粒状固体熔化为液体，待冷却后成为固着在胎体上的绚丽的色釉，此时色釉低于铜丝高度，所以得再填一次色釉，再经烧结，一般要连续四五次，直至将纹样内填到与掐丝纹相平。 磨光 是用粗砂石、黄石、木炭分三次将凹凸不平的蓝釉磨平，凡不平之处都需经补釉烧熔后反复打磨，最后用木炭、刮刀将没有蓝釉的铜线、底线、口线刮平磨亮。 镀金 将磨平、磨亮的景泰蓝经酸洗、去污、沙亮后，放入镀金液糟中，然后通上电流，几分钟后黄金液便牢牢附首在景泰蓝金属部位上了。再经水洗冲净干燥处理后，一件斑斓夺目的景泰蓝便脱颖而出了。镀好金的景泰蓝再配上一座雕刻得玲珑剔透的硬木底托，更显出景泰蓝雍容华贵、端庄秀美的姿色。
工艺葫芦的制作方法 工艺葫芦的制作方法 将天然植物葫芦刮去外皮，清洗干净，在处理剂中浸泡上色，上绳晾干，采用本方法能使天然植物葫芦的色泽明亮，成色金黄，能在其外表上绘制各种图案，克服了传统的葫芦的外形单调的缺点。该工艺品保质期长，可不用任何着色，自然、古朴、典雅而又独具特色。符合人们返朴归真、回归自然的时代观念和开发绿色工艺品的要求。 1、将天然植物葫芦刮去外皮，清洗干净； 2、配制处理剂：用（重量份）清水25～50，然后依次将孩儿茶0.1～0.3、密蒙花0.1～0.3、木香0.03～0.07、蒿子0.04～0.08、黄酒0.4～0.6、碳酸氢钠0.1～0.4、氯化钠0.03～0.06、硫酸0.1～0.2、柠檬酸0.1～0.25、双氧水0.3～0.7依次倒入水中，不停搅拌至所有制剂均配完，然后再充分搅拌10分钟即可得处理剂； 3、浸泡上色：将刮皮清洗干净的葫芦放入上述处理剂中，浸泡5～10分钟，并不停搅拌使之着色均匀，浸泡时间不超过10分钟，然后取出擦干； 4、上绳晾干：将浸泡上色后的葫芦晾干至完全干燥。干后就可以制作各种工艺葫芦了； 如果把葫芦用来做实用器皿，采用雕刻技法，那么要选择比较厚的葫芦。不同品种的葫芦皮的厚度不同，即便是同一品种的葫芦皮厚度也有差异。选择葫芦皮厚度时，葫芦的重量很关键，应该说是越沉越好；颜色也是一种参考，外皮颜色较深的葫芦通常比颜色较浅的更厚一些。
工艺葫芦的文化价值有哪些？ 工艺葫芦是什么？ 古书上有很多葫芦的记载。“匏”、“瓠”、“壶”、“甘瓠”均指葫芦。“壶”、“卢”本为两种盛酒盛饭的器皿，因葫芦的形状和用途都与之相似，所以人们便将“壶”、“卢”合成为一词，作为这种植物的名称；而“葫芦”则是俗写，并不符合愿意。不过后来人们约定俗成地写作“葫芦”，一直延续到现在。 葫芦大体可分为以下几个品种： 亚腰葫芦 它的形状长得很可爱，象两个摞起来的球体，上小下大，中间有一个纤细的“蜂腰”。亚腰葫芦大小差别很大，据说大者有一米高，小者只有豌豆大卸明宫史。火集》载：“仍有真正小葫芦如豌豆大者，名日‘草里金’，二枚可植二三十两不等，皆贵尚焉。”最经常见到的亚腰葫芦大者高20—25厘米，小者10厘米左右，主要用以观赏。 大葫芦 果实下部圆大，直径25—30厘米左右，上有一粗短的柄，皮厚1—1.5厘米。这种葫芦个头很大，嫩时皮质白嫩，是农家的佳蔬，有多种吃法。成熟后皮质坚实，锯成两半，作舀水的“瓢”。 长柄葫芦 下部浑圆，大小如扁葫芦，上面有一个细长的柄，长尺余。这种葫芦嫩时亦可食用，老熟后古代主要用来做葫芦笙，现在则锯开作勺或瓢。 扁圆葫芦 其形圆而扁，直径7—9厘米，因形状象个大个柿子，所以京津一带称甚为“柿子葫芦”；山东、苏北一带则叫做“油葫芦”。 瓠子 其形呈圆筒形，粗细长短不一，象条大丝瓜。嫩时外皮呈绿白色，柔嫩多汁，可以食用。成熟皮色偏白，质地不太坚硬。除食用外，可以用来范制长形葫芦器。 工艺葫芦的文化价值有哪些？ 在古代，葫芦是制作乐器的重要原材料，其价值不亚于丝，竹。《尧典》中有匏为八音之一的说法。葫芦笙最早载于汉代的《礼乐志》：“有葫芦笙。”后来晋崔豹《古今注》又一次提到：“瓠有柄者悬瓠，可以为笙，曲沃者尤善。秋乃可，和则漆其里。”这句话是说长柄葫芦可以加工成笙，其中以曲沃的葫芦最佳。除了笙、竽等簧管乐器外，葫芦还可以做弦乐器或弹拨乐器的共鸣箱。葫芦还可以做鸽哨，分很多种，制法各异。 “葫芦丝”在民间称为“葫芦萧”，别处也有称为“葫芦笙”，名称的变化原因说法不一，有说是解放初期，知识青年下乡，将傣族不标准的汉语“萧”误听为丝而得名，有说是为了区别于哈尼族的“芦笙”又区别于“萧”（萧无簧)，故文艺工作者将它定名为“葫芦丝”。说以前者居多。葫芦丝的傣语名称为“筚朗道”，“朗道”为“葫芦”的傣语名，“筚”为傣语对吹管乐器的总称。德昂语称“筚格宝”，阿昌语称“拍勒翁”。
中国结的文化价值有哪些？ 中国结的制作方法 编结主要是靠一双巧手，古人编结时是让线在双手中盘绕，就能编出各式优美的结形。此为方便初学者，特别列出几种可能用到的简便工具。 在编较复杂的结时，可以在一个纸盒上利用图钉来固定线路。一般来说，普通形式的肩头图钉就很合用，长头图钉可能反而使手指不易在钉之间穿梭往来。一根线要从别的线下穿过时，也可以利用镊子和钩针来辅助。结饰编好后，为固定结形，可用针线在关处稍微钉几针。另外，为了修多余的线，一把小巧的剪刀是必须的。 中国结的制作方法： 1、结形、颜色与饰物要搭配得当，大小相宜。 2、线的两端可绕胶带或使它硬直，开始时与线的间隔可留宽些。 3、线路较复杂时，可用珠针固定，钩针、镊子可辅助抽拉。 4、认清线路位置，如有错误，应立即调整。 5、灵活运用中国结式的意义及典故，配加小配饰。抽形 6、先将结心拉紧，以防变形；再调整耳翼大孝形状。 7、用钩针或镊子调整线路，注意结形美观、搭配。 8、认清方向先抽哪个线头和保留几个结耳。修整 9、以颜色相同的细线，将易松散部位缝牢。 10、镶上相配的小珠子，以增添结饰的美观。 11、可以在结的尾端，编一个简单的小结，也可穿上珠子或饰物。 12、线头的处理要隐蔽，以免破坏美感。 中国结的文化价值有哪些？ 中国结由于年代久远，其历史贯穿于人类史始终，漫长的文化积淀使得中国结渗透着汉民族特有的、纯粹的文化精髓，富含丰富的文化底蕴。“绳”与“神”谐音，中国文化在形成阶段，曾经崇拜过绳子。据文字记载：“女娲引绳在泥中，举以为人。”又因绳像蟠曲的蛇龙，中国人是龙的传人，龙神的形象，在史前时代，是用绳结的变化来体现的。 “结”字也是一个表示力量、和谐，充满情感的字眼，无论是结合、结交、结缘、团结、结果，还是结发夫妻，永结同心，“结”给人都是一种团圆、亲密、温馨的美感“结”与“吉”谐音，“吉”有着丰富多彩的内容，福、禄、寿、喜、财、安、康无一不属于吉的范畴。“吉”就是人类永恒的追求主题，“绳结”这种具有生命力的民间技艺也就自然作为中国传统文化的精髓，兴盛长远规划，流传至今。 中国结不仅具有造型、色彩之美，而且皆因其形意而得名，如盘长结、藻井结、双钱结等，体现了中国古代的文化信仰及浓郁的宗教色彩，体现着人们追求真、善、美的良好的愿望。在新婚的帖钩上，装饰一个“盘长结”，寓意一对相爱的人永远相随相依，永不分离。在佩玉上装饰一个“如意结”，引申为称心如意，万事如意。在扇子上装饰一个“吉祥结”，代表大吉大利，吉人天相，祥瑞、美好。在剑柄上装饰一个“法轮结”，有如轮黑心行，弃恶扬善之意。
孔明灯的制作方法-孔明灯是什么？ 孔明灯是什么？ 现在很多人放孔明灯多作为祈福之用。男女老少亲手写下祝福的心愿，象征丰收成功，幸福年年。 孔明灯来源于诸葛亮。 据说是由三国时的诸葛孔明所发明。当年，诸葛孔明被司马懿围困于平阳，无法派兵出城求救。孔明算准风向，制成会飘浮的纸灯笼，系上求救的讯息，其后果然脱险，于是后世就称这种灯笼为孔明灯。另一种说法则是这种灯笼的外形像诸葛孔明戴的帽子，因而得名。 孔明灯用于通风报讯，使身边人逃离险境。 清朝道光年间，先民由大陆福建省惠安、安溪等县传入台湾的台北县、平溪乡、十分寮地区，即基隆河的上游。据十分寮地区父老前辈的口述表示，早年于前清年间十分地区闹过土匪，由于地处山区，所以村民都向山中逃过,待土匪走后，留守在村中的人，就在夜间施放天灯做为信号，告知山上避难的村民，可以下山回家了，也借此种方式向村民报平安。由于当日由山上避难回家的日子，正是农历正月十五即是元宵节，从此以后，每年的元宵节，十分地区的村民便以放天灯的仪式来庆祝，且向邻村的村民互报平安。也因此十分地区的村民又称天灯为“祈福灯”或“平安灯”。 孔明灯的制作方法 一、首先准备好材料。 做孔明灯的材料包括：拷贝纸、裁纸刀、剪刀、尖嘴钳、棉线、工业酒精、胶、电线、棉花、竹条。 二、做孔明灯的步骤。 1、裁竹子。利用小刀把竹条削成小于三毫米厚薄，然后，把竹条弯成一个圈，用棉线或502胶固定。竹子有弹性，竹圈可能会不圆，可以用小火烤一烤，使竹圈固定成圆形。 2、扭铜丝。用尖嘴钳把废电线外面的绝缘层去掉就可以得到细铜丝。不过，铜丝不能太细，否则容易烧断，可以用3根铜丝拧在一起避免这个问题。 3、粘纸片。用薄纸剪成如图所示规格的纸片，将第一张纸片的一边与第二张的一边粘在一起，再将第三张，第四张，知道粘完。 4、固定外形。把上面圆空口糊住，待干后，把气球吹胀，找一条薄而窄的竹条，弯成与下面洞口一样大小的竹圈，在竹圈内交叉两根互相垂直的细铁丝，并系牢在在竹圈上，再把竹圈粘牢在下面洞的纸边上，糊成的气球不能漏气 5、尝试放飞。把铜丝绑在竹圈两端，再把做好的灯罩粘在竹圈上。在铜丝上绑上棉花，浸上酒精，点燃后就可以放飞了。 同时注意，孔明灯必须要在无风的天气和空旷的场地上放飞，否则不但不能飞上天，而且可能会引起火灾。放飞时，需要2-3人的共同协力，强烈要求有成年人陪同。另外，可以在孔明灯底部拴上线，这样既可以重复放飞，又能控制起飞高度和范围，避免引起火灾。
剪纸的文化价值有哪些？剪纸的制作方法 剪纸的文化价值有哪些？ 民间剪纸善于把多种物象组合在一起，并产生出理想中的美好结果。无论用一个或多个形象组合，皆是“以象寓意”、“以意构象”来造型，而不是根据客观的自然形态来造型，同时，又善于用比兴的手法创造出来多种吉祥物，把约定成俗的形象组合起来表达自己的心理。追求吉祥的喻意成为意象组合的最终目的之一。 民间剪纸之所以能够得以长久广泛的流传，纳福迎祥的表现功能是其主要原因。地域的封闭和文化的局限，以及自然灾害等逆境的侵扰，激发了人们对美满幸福生活的渴求。人们祈求丰衣足食、人丁兴旺、健康长寿、万事如意，这种朴素的愿望，便借托剪纸传达出来。 民间剪纸的表现语言不是简单的平铺直叙，而是托物寄语，借用那些约定成俗的观念化形象，来寄托人们对美好生活的向往，对吉祥幸福的期盼。种种质朴的怪诞而又包含率真至美的剪纸造型，来源于原始的视觉思维方式和民间审美观念；来自于有程式体系和意象造像组成的独特造型体系；来自于中国的本原哲学和世界观，更具有感人的艺术魅力。 剪纸的制作方法 剪纸，又叫刻纸，是中国汉族最古老的民间艺术之一，剪纸是一种镂空艺术，其在视觉上给人以透空的感觉和艺术享受。其载体可以是纸张、金银箔、树皮、树叶、布、皮革等片状材料。 1、印染纸张。 传统中国剪纸艺人会使用刷子将纸张染成传统的中国红。 2、制作模板。 下面这个蝴蝶的形象就非常的简单，使用铅笔将蝴蝶的轮廓勾勒出来。 3、烫樱。 在染色后的宣纸干了后通常会出现皱折的情况。用一个温热的熨斗将皱纸的纸张熨平。 4、堆垛。 将剪纸的样板放在一小摞染好色的纸的上面，大约可以有20张左右，然后将它们封在一起。 5、烟熏模板。 将刚才染色准备好的一张纸张取来，将其弄湿润，然后在下面压上模板。使得模板一面朝向煤油灯。模板和没有覆上模板的地方都会被煤油灯的烟所熏黑。当纸张完全干燥了之后，将模板取下，然后就会留下煤油灯烟熏过的地方和没有熏到的被模板盖住的空白。这就是剪纸的样板。
出神入化，剪纸艺术代代传承 端坐在小小的摊位上，58岁的邓美生手握细长的剪刀，刀随纸不停旋转，不到3分钟，一只漂亮的凤凰便在他手中展翅欲飞。 邓美生是上海人，14岁到安徽黄山插队落户，30年的乡间生活，练就了他一手剪纸绝活。回城后，他在豫园摆起了小摊，每天要剪纸近12个小时。十几年下来，剪纸的材料从普通纸变成了色泽鲜艳，立体感更强的绒面纸，游客的不同需求也给他不断带来新的创作灵感。 根据年轻人的喜好，邓师傅借鉴无锡大阿福的形象，创作出25个Q仔系列，这些Q仔造型夸张、憨态可鞠，肚子上还能剪出名字，深受游客欢迎。 “刻纸”是从剪纸中派生出来的一门新手艺，邓师傅同样拿手。首先作出画稿，再用刀刻在折叠的纸上，图案更加细腻精致。 邓师傅骄傲地说，如今他儿子的“刻纸”手艺胜过了自己，眼下正在日本参加民间艺术汇演。这些就是小邓的作品：千僖凤凰、小桥流水人家，一幅幅作品丝丝相连、千刻不断，令人叫绝。邓氏父子一剪一刻，互相切磋、锤炼技艺，而古老的民间艺术正是在这样的过程中代代相传。
巧手剪出“十二钗” 谁能想到它们竟然是以废弃的挂历、扑克牌、烟盒为原材料，经过细心加工装裱完成的。24日，在前郭县长山镇李艳玲的家中，记者采访了这位民间艺术家。 今年47岁的李艳玲是长山化肥厂子弟小学的一名教师。20多年前，当她在幼儿园工作时，为了给幼儿园的小朋友讲解《三只蝴蝶》的故事，她特意用彩纸剪了三只小蝴蝶，粘在小棍上，给学生上了生动活泼的一堂课。李艳玲说：“当时幼儿园的小朋友们特别喜欢这种教学方式，他们比以往听得更认真。” 从那时起，李艳玲就一发而不可收，深深喜爱上了剪纸这门古老的民间艺术，在20多年的时间里一直没有间断过，用自己灵巧的双手剪出了一幅幅生动逼真的剪纸作品，其中最具代表性的就是《红楼梦》中的金陵十二钗，林黛玉、薛宝钗、王熙凤各个形神兼备、栩栩如生，每个看过的人都赞叹不已。李艳玲不仅自己创作剪纸作品，还把剪纸技艺传授给学校里的同事和自己的学生。 随着剪纸技艺越来越纯熟，李艳玲的作品被送到松原市和吉林省举办的各种民间艺术作品展会，并且获得了2005年吉林省民间艺术博览会的一等奖。在2006年，经过当地文化部门的推荐和层层选拔，李艳玲获得吉林省民间剪纸艺术家称号。 李艳玲指着“百幅仕女图”中的“王昭君”告诉记者，“王昭君”的服饰是用四五种不同的材料搭配而成的，其中包括用过的药盒、挂历、烟盒以及扑克牌。如果不仔细辨识，真的很难让人相信这幅栩栩如生、色彩艳丽的昭君图竟然是用身边最熟悉的物品制成的。 谈及今后，李艳玲说，剪纸是她毕生的爱好，更是一门展现中华数千年传统文化的艺术，她希望能将这门民间艺术弘扬下去。
潮州艺人：一剪八个月，剪出九龙鼎 不经点破，你能想象到眼前这个金碧辉煌、浑厚感十足的“九龙宝鼎”竟然是由纸板刻剪而成的吗？潮州民间剪纸艺人张湘明将传统剪纸艺术推陈出新，创作出国内第一个立体纸刻艺术品，今年国庆节日期间，剪纸宝鼎吸引了众多市民慕名前来观赏。 记者一踏进张湘明的创作间，立即被桌子上一座“宝鼎”吸引住了。“宝鼎”重3公斤，高70厘米，宽65厘米，厚32厘米。鼎盖及鼎身均雕成通花，共有15000个通花孔；上刻九条张牙舞爪的金龙，其中两条栩栩如生的巨龙弓身化作鼎耳；鼎身正面刻“佛光普照”、两侧分刻“万事如意”和“合家平安” 并镶嵌了100多颗琉璃珠、玛瑙及玉石等。整座“九龙宝鼎”显得雄浑大气，极富质感，乍看仿似潮州金漆木雕艺术品，可事实上，该鼎竟是全部由纸板雕刻、剪裁而成。 张湘明称，这是他运用独特的刻剪技艺创作而成的首个立体剪纸作品。传统的剪纸多为平面图案，张湘明别出心裁，尝试将剪纸从两维平面向三维立体创新。整座宝鼎由无数块平面的零配件构成，据张湘明介绍，仅宝鼎上的一条龙，便由上百块配件组成。除了刀刻、剪修等剪纸技艺之外，张湘明还融合了潮州通花雕、浮雕等传统技艺于其中。 整整花了8个多月时间，张湘明才完成了这件目前国内独一无二的立体剪纸鼎作品，共耗掉了50多张大纸板、3斤胶水，画了60多张设计图。 58岁的张湘明是目前潮州剪纸硕果仅存的几位民间艺人之一，他说，创作这个剪纸宝鼎，是为了给后代子孙留一点可以记忆的东西。在市场经济大潮的冲击之下，许多潮州传统工艺已逐渐濒临灭绝，后继乏人。如潮州花灯、麦秆画工艺停产至今已十余年，潮州剪纸也于今年被列入国家首批非物质文化遗产名录。
华丽的竹雕工艺 竹雕作品依据品种和产地的不同，在工艺上又各有所长。建筑多浮雕，摆件多圆雕，糕板雕则都是阴刻；宁波工以骨嵌著称，潮洲工则以透雕见长。 圆雕 是指完全立体的雕刻，即前后左右均完整雕出景物形象，具有三度空间，在不依附任何背景的情况下，可从四周的任何角度进行欣赏。这种以圆雕技法刻制的器皿，大多是取竹根为材，根据竹的自然形态进行构思和设计，略施雕镂，使其成为或巧妙、或古朴、或精致，供人观赏的艺术品。这种因材施艺的创举，看似简单，实极难为。 不仅要有丰富的想象力和卓越的独创性，还要有极为高超的雕刻技术，两者之间必须紧密配合。最具代表的要数封氏家族。封氏是竹刻世家，世代相传多至五六代以上。其中最有名的封锡爵、封锡禄、封锡璋三兄弟，号称鼎足。 他们继承了朱氏刻竹中的圆雕技艺，以竹根为原料，摹仿现实写生，所制作的器物多以新奇胜。封锡禄和封锡璋兄弟由于技艺精绝，名声远播，被地方官推荐，于康熙四十二年（1703）年被召入宫，于养心殿服务。 浮雕 是指在平面基础上雕刻艺术形象，物象近似绘画，前后体积压缩。因此，浮雕是介于绘画和雕刻之间的一种艺术形式。浮雕的制作过程也表明了这一点，即在雕刻前，先将画稿贴在刻板上，然后依据画稿进行雕刻。 根据浮雕立体程度的差别，可分为“高浮雕”、“浅浮雕”、“薄意雕”、“线雕”等。高浮雕，与圆雕相接近，所雕形象起伏较一般浮雕大，有的局部为圆雕，具有很强的立体感。浅浮雕，与绘画相接近，所雕刻的想象所起伏较一般浮雕平缓。薄意雕，最浅薄的浮雕，所表现的形象仅是一层平缓的起伏，意到即止。 留青 所谓“留青”，也称平雕，即是用竹子表面一层青皮雕刻图案，把图案之外的青皮铲去，露出竹肌。竹材干后始能奏刀，此时表皮已由青转白。所谓“迹若粉描”，与留青之花纹正合。刻后不须一两载，表皮即呈淡黄色，但此后变化不大。 竹肌则由淡黄而深黄，由深黄而红紫，故皮、肌色泽之差异会越来越明显。这种雕刻方法不仅精巧，而且竹器外表色泽莹润，经常抚摩掌玩，年代越是久远，竹肌颜色越是深沉， 光滑如脂，温润如玉，色泽近似琥珀，同时图案部分也越清晰突出。这种技法始于唐代，当时虽是留青竹雕的初期阶段，所刻纹饰还比较浑朴简单，但这种技法的出现，显示出了竹刻艺术的提高与进步。 阴刻 是指所雕的物象低于雕面的水平面的雕刻技法。线刻，在平面的雕面上以阴刻线条造型，与绘画中白描相似。
民间百艺:沉香木雕 沉香树是常绿植物，也叫“奇南香”，产于印度、泰国和越南；我国台湾岛上也曾栽培。沉香既可直接用作薰香料，又是名贵的中药材，树种十分珍贵。 沉香木适宜做“疙瘩件”，即稍小的浑然一体的雕件，再有就是用做镶嵌花木的树干、花苞等，效果与珊瑚、宝石相同。传世沉香木雕件有“三镶白玉瓦（如意与所镶的玉片谓“瓦”）如意”。见于著录的，还有一种“沉香木雕暖手”。 暖手是“疙瘩件”，是明清时士大夫类似核桃的搓手玩具。不过，核桃成双配对，疙瘩件暖手略大，只有一枚。暖手图案作圆雕形，内容是《鸳鸯戏水》。鸳鸯相依相偎，而莲花雕成并蒂状。 刀工非常精细，在整体浑圆中，局部如翅膀羽毛都纤毫毕现，可谓“精品”。沉香木雕难得，如此精到的小件更为难得。当年是主人（文士）搓手活络血脉之用。既能使手部不僵滞，搓热后又能散发幽香。文玩，文玩，此之谓乎！
节令玩具之走马灯 其实早在宋代已有走马灯，称“马骑灯”。范成大《上元节物诗》中有句云：“转影骑纵横”，自注曰：“马骑灯”。又，《宋人观灯图》中，在右侧桌上置一具走马灯，为扁方形，视其形制几与现在民间走马灯相同。元代谢宗可有咏走马灯诗曰： “飙轮拥骑驾炎精，飞绕人间不夜城，风鬣追星来有影，霜蹄逐电去无声。秦军夜溃咸阳火，吴炬宵驰赤壁兵；更忆雕鞍年少日，章台踏碎月华明。” 从宋、元文献中可见众多咏走马灯的诗词、诗歌，这些诗词反映了当时的走马灯多表现历史战争题材，这也许是走马灯的特殊形式所需要的。走马灯中的兵马人物旋转不定，反复登场退场，常被用来形容忙乱纷杂的场面， 人们常说：“像走马灯一样……”这种比喻反映了走马灯的普及。古人却从走马灯中看到了世事的变换，用走马灯来比喻历史上的成败兴衰。清人富察敦崇在《燕京岁时记》中写道： “走马灯者，剪纸为轮，以烛嘘之，则车驰马骤，团团不休，烛灭则顿止矣。其物虽微，颇能具成败兴衰之理，上下千古，二十四史中无非一走马灯也”。 走马灯相传近千年，于元宵节必有出现。近人徐珂《清稗类钞》说：“走马灯，元宵有之。以纸剪成马形，粘于纸轮之下四周，轮下有干，能活动自转，烛焰煽轮，干即自动，而纸马随之，故曰走马灯。” “咸丰时，西人某来华，见走马灯而异之，购一具以归，遂因以发明空气涨缩转动机械原理。” 方形走马灯是走马灯最为基本的式样，正面为灯面，灯面上下做成垂檐和栏杆一如旧戏舞台，中央空白用来映影纸影，也可以将中央挖空，直接显露纸人纸马。 还有一种画面可以活动的走马灯，灯面上人物的头手或腿用纸片另做，使细丝插在灯面上，里面设“拨头”，与立轴上的铁丝相对，立轴转动时就会拨动拨头，灯面上的人物就会摇头晃脑、抬手举足地动起来。这种走马灯的灯面需要绘置人物及背景。民间艺人成批生产时则采用木版印刷灯面，再将印好的灯面糊在扎好的架子上。 还有一种走马灯，整体造型呈六角形，六面开光挖空，里面画面不剪不刻呈纸筒形，转动时，画面及布景同时移动，六面都可以观赏。另外，还有宫灯式走马灯、座灯式走马灯等。
铜雕艺术的魅力 自夏、商、周至秦、汉整个青铜器发展史，大约可以分为十三期：即夏为二里头文化期，商、西周、春秋各为早、中、晚三期，战国分作早期和中、晚二期。秦、汉为青铜器发展史的余辉。 青铜艺术是我国古代文化遗产中的一个主要部分，它与历史、冶金、文字、造型美术有着相当密切的联系。商、周青铜器历来在国际上享有极高的荣誉。 青铜是红铜和锡的合金，据史籍记载、商、周两代是青铜器制作的黄金时期。中国最早的青铜器诞生于公元前3000多年的甘肃省马家窑，马厂文化遗址曾出土那时期制作的铜刀。 商、周时期，我国的冶金技术水平进步很快，青铜器制作进入顶峰阶段。这时期出品的青铜器，是世界青铜文化中最典型，最丰富的代表。 早期的青铜器种类很多，用途广泛，主要种类有兵器、炊器、酒器、食器、水器、乐器、铜镜、车马饰、带钩、度量器、动物造型等。西周社会还对青铜器使用制定严格的等级。 以礼器来说，就有“天子九鼎，诸侯七，大夫五，元士三”的规定。许多贵族视青铜器为身份的象征，除身前大量享用，死后也把大量的青铜器随葬。 《吕氏春秋·节丧》曾记载：“国弥大，家弥富，葬弥厚，含珠鳞施。夫玩好、货宝、钟、鼎、壶、舆、衣、被、戈、剑，不可胜其数，诸养生之具无不从者。”
茶石缘—浅谈石刻壶艺 壶的欣赏重点是在它的造型与别具一格的风韵中，细细玩味它精致细腻的工艺。赏壶就如同哲学一件雕塑品，所不同的是，一把壶可以因为个人的长期使用、把玩，而自然焕发出一股情味，在增添一分浑朴的润雅与一份与众不同的欣赏价值之外，更加深了品茗的雅趣。 我国很早就有石雕，但多以建筑雕刻、陵墓雕刻、宗教造像等艺术形式存在。取石头雕刻成茶具，是一种融艺术性与实用性于一体的创新。石茶具的题材非常丰富，大多源于现实生活，有着浓厚的生活情趣，山水人物、花鸟虫鱼皆可入石。 中国的传统石雕艺术，也在石壶上面表现的淋漓尽致；工法利落挺健，恰当发挥原材料的天然色彩和质地具有的美感，构思巧妙，主题明朗，技巧熟练。形形绰绰，达到"远看形色，近看雕工"的效果；每一款、每一壶都有各自的独特风格，寓意深远，既古朴大方，有很深的文化韵味，又兼有现代的气息。 在我国茶文化发展史中，以天然的原石制壶始于上世纪八十年代。石壶是新材料在茶文化领域中的运用，在工艺美术领域中又是别开生面的石雕艺术，是传统文化的延续，是雕刻艺术中的一朵奇葩。中国石材资源丰富，品种繁多，古往今来的中国人创造了璀璨夺目的石文化，石壶就是石文化中精彩纷呈的一页。 一枚艺术性强的石壶，给人的视觉效果实际上是一幅立体的画，不管你从哪个角度去观赏，它应该是一幅完整的画，这应该从绘画构图的审美角度去鉴别石壶的艺术价值。石壶艺术目前已形成三大艺术风格。一是以紫砂茶壶艺术为源本，各种石材的运用，主要是传统雕刻艺术风格。 二是以传统雕刻艺术为源本，发展形成了现代写实雕刻艺术风格。三是以自然的观赏石造型为源本，进行适当加工，保留原石原味，有现代抽象寓意的自然造型艺术风格。